大エルミタージュ美術館展 Old masters from the State Hermitage Museum (Mori Arts Center Gallery)

エルミタージュ美術館展は、これまで何度も開始されている。

そのたびに、何かしらのテーマを持っているが、今回は、オールドマスター、と題して、16世紀から18世紀にかけての、ヨーロッパ絵画の黄金期の作品が展示された。

ティツィアーノ、ティエポロ、ハルス、ステーン、ブリューゲル、ルーベンス、ヨルダーンス、ヴァン・ダイク、ムリーリョ、プッサン、ヴァトー、ランクレ、シャルダン、プーシェ、クラーナハ、ゲインズバラなどなど。

錚々たる名前が並び、ヨーロッパ絵画の流れを概観することができた。

The Hermitage Museum exhibition has been started many times so far.

Every time it has some theme, this time, the work of golden period of European painting was exhibited from the 16 th century to the 18 th century entitled Old Master.

Tiziano, Tiepolo, Hals, Steen, Bruegel, Rubens, Jordens, Van Dyke, Murillo, Poussin, Watteau, Lancrec, Chardin, Pouche, Cranach, Gainsborough and so on.

Lots of names were lined up, and I could overview the flow of European paintings.

ただし、作品は、やや小ぶりなものが多く、これといった大きな目玉作品もなく、よく言えばバランスの取れた展示内容だった。

特に印象に残った作品は、イタリア人、カルロ・ドルチの聖チェチリアという作品。

ドルチは17世紀のフィレンツェで活躍した画家。

聖チェチリアは、古代ローマの聖人で、意に沿わない結婚を押し付けられながら、キリスト教徒として神への忠誠を貫き、多くに人々を改宗させた人物。ピアノが得意だったという。

ドルチは、カラヴァッジォ風の光と陰のコントラストを使って、ピアノを弾いている姿を描いているが、とにかくその表情が実に美しい。

However, the work was somewhat small, there was no big eye-catching work like this, in other words it was a balanced exhibition content.

Particularly the work which remained in the impression is the work of Italian, St. Chechnier of Carlo Dolci.

Dolci is an artist active in Florence in the 17th century.

St. Cecilia is an ancient Roman saint who, as a Christian by being a married marriage, passed through loyalty to God and converted many people into Christianity. It is said that the piano was good at it.

Dolci is depicting the appearance of playing the piano using the contrast of the caravaggio style light and shade, but the expression is really beautiful anyhow.

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ダリ版画展（河口湖美術館） oeuvre grave Salvador Dali (Kawaguchi Museum of Art)

昨年、東京、六本木の国立新美術館で開催されて、多くの人が訪れたダリ展。

京都展では、別な会場で、このダリ版画展が開催されていたが、東京展では、近辺では開催されず、その後も、東京近辺では開催の予定はない。

ようやく、河口湖美術館で開催されると聞いて、ついでに旅行を兼ねて、河口湖の辺りにある美術館を訪れた。

受付の人に、東京から訪れたことを告げると、前にも福島からわざわざこの展覧会のためだけに訪れた人もいたとのこと。

ダリというネームバリューはあるが、版画という地味な形式であるので、東京ではなかなか開催しても元が取れないのではないか、とのこと。

Last year, it was held at the National Art Center, Roppongi, Tokyo, Dali exhibition where many people visited.

At the Kyoto Exhibition, this Dali Print Exhibition was held at another venue, but it will not be held in the neighborhood in the Tokyo Exhibition and there is no plan to hold it in the vicinity of Tokyo even after that.

Finally I heard that it will be held at the Kawaguchiko Museum of Art, and I also visited the museum in the vicinity of Lake Kawaguchi, also as a trip.

When I told the receptionist that I came from Tokyo, there were people who came all the way from Fukushima before this exhibition before.

Although there is a name value named Dali, it is a plain form called printmaking, so even if it is held in Tokyo it is hard to get the original thing.

展示されていたのは、ダリの版画およそ200点と、何点かの彫刻作品。版画は1960年代、1970年代のものが中心。

版画の200点のうちの半分は、ダンテの神曲をテーマにした連作で、数的にも内容的にも、この作品が一番見応えがあった。

地獄篇、煉獄篇、天国篇の3つに分かれているが、やはり地獄篇が一番迫力があった。

地獄篇は、ダリ独特の、人体が捻じ曲がったようなグロテスクな絵が多く、地獄の苦しみを表現しているようだ。

逆に、天国篇では、ぼかしを使って、神や天使が中心に描かれている。

煉獄篇は、ちょうどその両者のテーマが混在している。

全体を通して見ると、ダリのこの連作についての構想がよく見て取れる。

What was being exhibited was Dali's printmaking about 200 prints and some sculptures. The prints are centered on the 1960's and 1970's.

Half of 200 prints were a series of themes on the theme of Dante's divine songs, and this work was the most spectacular both numerically and contentally.

Although it is divided into three of Hell, Purgatory, Heaven, again the hell was the most powerful.

Hell story seems to express the suffering of hell, many grotesque pictures such as Dali's distinctive, human body twisted.

Conversely, in heavenly story, God and angel are drawn in the center using blur.

Purgatory, just the theme of both of them are mixed.

Looking through the whole, the idea of this series of Dali can be seen well.

他の作品では、シュルレアリスムの思い出、という12点の連作が印象的だった。

1971年に制作された作品で、シュルレアリスム時代だけでなく、ギリシャ彫刻、ルネサンス絵画、ラ・トゥールの絵画、妻のガラの姿などがコラージュされており、ダリ自身の創作の原点が伺えるような内容になっている。

他にも、トリスタンとイゾルテ、聖書の雅歌などの連作、ピカソやシャガールなど、同時代の画家たちの肖像画、花咲か爺さんなどの日本の昔話などをテーマにした版画もあり、楽しめた。

版画の形式も、木口木版、エングレービング、ドライポイント、リトグラフなどのいろいろか様式があり、ダリがそうした様式をいろいろと試していたことが伺えた。

In other works, the twelve series of memories of surrealism was impressive.

It is a work produced in 1971, not only the surrealism era, but also collages of Greek sculpture, Renaissance painting, La Tour paintings, wife's garra, etc. It seems like the origin of Dali's own creation It is content.

Besides, I enjoyed having prints with themes such as Tristan and Izolte, serial works such as the songs of songs of the Bible, portraits of contemporary painters such as Picasso and Chagall, Japanese ancient stories such as Hanasaka grandfathers etc.

There were various forms of prints such as Kiguchi woodblock print, engraving, dry point, lithograph etc, and it was heard that Dali was trying various kinds of such style.

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歌川国芳 21世紀の絵画力（府中市美術館） Utagawa Kuniyoshi, His pictorial eloquence in 21st century (Fuchu Art Museum)

江戸時代の絵画で定評のある、府中市美術館での国芳展。流石に、他の美術館の国芳展とは、一味違った内容だった。

また国芳か・・・とは思ったが、いざその作品を目の前にすると、思わずその絵の中に引き込まれてしまう。

やはり、この歌川国芳という絵師は、とんでもない絵師だと、改めて感じた。

国芳は、寛政9年（1798年）に生まれ、文久元年（1861年）に亡くなっている。65歳で亡くなった時は、明治維新まで、あとわずか6年だった。

国芳といえば、他の浮世絵の絵師達とは違い、ダイナミックな画風で知られるが、この展覧会によれば、絵のアイデアを、様々なものから得ていたという。

司馬江漢の西洋風の絵を、そっくりそのまま背景に使った絵もあるし、有名な相馬の古内裏の巨大な骸骨は、解体新書に書かれた骨格を参考にしたようだ。

国芳の描いた子犬の絵には、円山応挙や長沢芦雪の子犬の絵にそっくりなものもあり、こちらはいわゆる完コピだ。

その一方で、こちらも国芳の代名詞と言える猫については、これは国芳のオリジナルだろう。

国芳は多数の猫を飼っていたというが、絵に描かれている猫を見ると、その表情や仕草などは、日頃から猫を観察していないと、決して描けないだろう、と思われるものがあちこちに見て取れる。

国芳の絵には、当時の時代の雰囲気がよく表れている。山東京伝や滝沢馬琴の著作を題材にしたものも多いし、当時の世相や為政者達を風刺した作品もある。

国芳という絵師は、いざ筆を取り絵を描くとなれば、絵に関しては自らの創造も含めて、日本や海外の構図やアイデアも大胆に取り入れて、当時の世相を十分に取りいえれた絵を描いた。

自分の生きた時代の全てを描き切った絵師。と歌川国芳のことを呼んでも、それほど間違ってはいないのではないか。

Kuniyoshi exhibition at the Fuchu art museum which is well-established in the paintings of the Edo period. It was a bit different from the Kuniyoshi exhibition of other art museums in the stones.

I also thought of Kuniyoshi ... but when I put that piece in front of me, I was drawn into the picture.

After all, I felt it again that this Utagawa Kuniyoshi was an fantastic painter.

Kuniyoshi was born in Kansei ninth year (1798), and passed away in the first year of Bunkyu (1861). When died at the age of 65, it was only 6 years until the Meiji Restoration.

Speaking of Kuniyoshi, unlike other Ukiyo-e painters, he is known for his dynamic style, but according to this exhibition he seemed to get the idea of ​​painting from various things.

There are some paintings that used the Western-style painting of Shiba Kokan in their entirety as backgrounds, and the huge skeleton of the famous Soma horse seems to have referred to the skeleton written in the dismantled new book.

Some of the puppy painted by Kuniyoshi is similar to a picture of a puppy of Maruyama Okyo or Nagasawa Rosetsu, which is what is called a complete copy.

On the other hand, this is also Kuniyoshi's original for cats that can be said to be synonyms of Kuniyoshi.

Kuniyoshi said that he kept a large number of cats, but when looking at the cat drawn in the picture, its expression and gestures, etc, which seems to be never drawn unless he observes the cat from everyday can be seen here and there.

In the picture of Kuniyoshi, the atmosphere of the era of that time is appearing well. Many are subjects of Santo Kyoden and Takizawa Batako's work, and there are also work that satirized the society at the time and politicians.

As a painter named Kuniyoshi, if he draws a brush and draws a picture, as for painting, including his own creation, a bold incorporation of the composition and ideas of Japan and abroad, the picture which was able to fully understand the society at the time Drawn.

A painter who painted everything in his living era. Even if you call Utagawa Kuniyoshi, is not that wrong so much?

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ミュシャ展（国立新美術館） Alfons Mucha (The National Art Center, Tokyo)

スラヴ叙事詩、20枚の全作品が、初めて国外でまとめて展示されるミュシャ展。

ミュシャとは、フランスでの呼び方で、チェコではムハと呼ばれる。

当然のことながら、スラヴ叙事詩に注目が集まるが、会場にはそれだけではなく、初期の自画像、パリで成功をもたらしたサラ・ベルナールなどのポスター、チェコに帰ってからの天井画や切手のデザインなど。

生涯にわたる作品が展示されて、ムハの全体像を紹介した大回顧展だった。

Slavic epic, Mucha exhibition where all 20 works are displayed for the first time overseas.

Mucha is called in France, in the Czech Republic is called "Muha".

Naturally, attention is focused on Slavic epic, but not only in the venue, posters such as Sarah Bernhard who gave initial success in self-portrait, success in Paris, ceiling paintings and postage stamps since returning to Czech Republic etc. .

A lifelong work was exhibited and it was a great retrospective exhibiting the whole image of Mucha.

開幕直後に訪れたが、大規模なマーケティング活動の結果か、会場には多くの人が訪れていた。

幸いにも、スラヴ叙事詩は巨大な作品なので、上を見上げて鑑賞するといった感じなので、多くの人がいても、あまり気にならずに鑑賞できた。

Slavic epic, 20 pieces of all the works were exhibited together outside the country for the first time and visited shortly after the opening, but a lot of people were visiting the venue as a result of a large marketing activity.

Fortunately, Slavic epic is a huge work, so it looks like looking up and appreciating it, so even if there were many people, I could appreciate it without much worry.

空いたスペースを見つけて、絵に近づくと、絵の下の方に描かれた人々と、向き合うような形になる。

こちらを見つめてくる、その眼力が凄い。圧倒される。

When I find a vacant space and approach the picture, it looks like it faces people drawn towards the bottom of the picture.

I'm staring at here, its power is great. It is overwhelming.

最初の3点では、スラヴ民族の誕生や宗教儀式が描かれている。

空中に神々や聖人が浮かんでいるように描かれている。これは、明らかに、ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂を参考にしている。

In the first three points, the birth of the Slavic people and religious ceremonies are drawn.

It is drawn as if gods and saints are floating in the air. This clearly references Michelangelo's Sistine Chapel.

そうした描き方を見ていくと、ムハがこの作品を作るにあたり、いかに周到に準備を重ね、自らの画家としての力の全てを注ぎ込んでいることがわかる。

As I look at such a way of drawing, I understand how Mucha prepared carefully in making this work and pouring all his power as a painter.

それにしても、なぜ、スラヴ叙事詩なのか。チェコ叙事詩ではないのか。

19世紀にヨーロッパを席巻した民族独立の動きの中で、オーストリア・ハンガリー帝国に支配されていた国々では、ロシアを中心とした汎スラブ主義運動が盛んだった。

Anyway, why is it a Slavic epic? Is not it a Czech epic?

In the national independence movement which swept the Europe in the 19th century, the countries controlled by the Austrian-Hungarian empire were thriving in the pan-slavic movement centered on Russia.

しかし、その希望は、20世紀初頭のバルカン同盟の崩壊で、夢物語に終わった。

ムハが青年時代を過ごした頃は、まだ汎スラブ主義が夢を失う前だったのだろう。ムハは、生涯その夢を手放すことができなかった。

ムハがこのスラブ叙事詩を描いた頃は、汎スラブ主義は、その情熱を失っていた。

However, the hope ended in a dream story, with the collapse of the Balkan alliance in the early twentieth century.

When Muha spent his youth, it seemed that pan-slavicism had not yet lost his dream. Muha could not let go of that dream for the rest of his life.

When Muha drew this slab epic, pan - slavism lost its passion.
 

絵画の世界においても、ムハがパリで活躍していたアール・ヌーボーはすでに終わり、シンプルなアール・デコが主流となり、やがてシュールレアリズムが絵画界を席巻するようになる。

テーマにおいても、技法においても、ムハのスラヴ叙事詩は、時代遅れだった。

Early in the world of painting, Mucha has already been active in Paris, Art Nouveau has already ended, simple art deco has become mainstream, and eventually surrealism will dominate the painting world.

Mucha's Slavic epic was outdated, both in the theme and in the technique.

それから、およそ100年。

時代は、ようやくこの絵を、そうした思想や技法を気にせずに、過去の作品としてみることができるようになったのかもしれない。

Then, has passed about 100 years.

In the era, it may be that we finally be able to see this picture as a past work without worrying about such thought or technique.

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シャセリオー展 19世紀フランス・ロマン主義の異才（国立西洋美術館） Theodore Chassériau, Parfum Exotique (The National Museum of Western Art)

シャセリオーのことは、その名前は知っていたが、作品を目にしたことはあまりなかった。

シャセリオーは、フランスの植民地だった、ドミニカ諸島の小さな島で1819年に生まれ、1856年に若くして命を落としている。

そのためか、残されている作品はそのれほど多くはない。

この展覧会では、パリのルーブル美術館などを始め、主にフランス各地から、貴重な作品が集められていた。

Although I knew the name about Chassériau, I did not see the work much.

Chassériau was born in 1819 on a small island in the Dominican islands, a colony of France, and died in youth in 1856.

For that reason, there are not so many works left.

In this exhibition, valuable works were gathered mainly from France, including the Louvre in Paris.

シャセリオーは、アングルの弟子となり、若くしてサロンにも入選を果たして、順調に画家としての道を歩み始めた。

しかし、やがて保守的な師のアングルに飽き足らないようになり、後にロマン派と言われる画風に変化していく。

そうした経歴のせいか、シャセリオーの作品には、古典的な要素とロマン派の要素が混在しているようだ。

この展覧会のポスターに使われている肖像画などには、アングルの影響が見て取れる。

シェークスピア、ギリシャ神話、あるいはアルジェリアなどのロマン派らしい題材を描いた作品は、明らかにロマン派の大家として風格を十分に漂わせている。

Chassériau became an apprentice of the angle, fulfilled selection to the salon young, and started steadily progressing as a painter.

However, as soon as it gets tired of conservative teacher 's Ingre, it will change to a style that is later referred to as Romanticism.

Because of that background, it seems that classical elements and Romantic elements are mixed in Chassériau's work.

Portraits etc used for posters of this exhibition, etc. can see the influence of angle.

Works depicting romantic subjects such as Shakespeare, Greek mythology, or Algeria have clearly given their style as Romantic landlords.

シャセリオーは、37歳という若さで亡くなってしまったが、その後の画家たちに与えた影響は大きかった。

特に、現在のオルセー美術館が建っている場所にあった、会計検査院の壁画は、同時代のギュスターヴ・モローやシャヴァンヌに大きな影響を与えた。

その影響は、モローを通じてルドンにも続いていた。

この展覧会では、ロマン派の絵画とは何か、ということを考えさせられた。

シャセリオーのオセロと、ドラクロワのハムレット。それぞれ版画の連作が並べて展示されていたコーナーは、この展覧会の中でも圧巻の一つだった。

ロマン派の両巨匠が、シェークスピアというロマン派の画家が好んだ題材を巡り、強烈なバトルを演じている。

ロマン派の絵画とは何か。

しかし、その答えは、容易に得られそうもない。

Chassériau died at the young age of 37 years old, but the influence given to the painters after that was great.

Particularly, the mural painting of the Auditorium of the Accounting Office, which was in the place where the present Musée d'Orsay is built, had a great influence on Gustave Moreau and Chavannes of the same era.

The influence continued to Redon through Moreau.

In this exhibition, I was made to think about what Romantic paintings are.

Othello of Chassériau and Hamlet of Delacroix. The corner where each series of prints was displayed side by side was one of the highlight of this exhibition.

Both Romantic masters play a strong battle over the subjects preferred by Shakespeare's Romantic painters.

What is Romantic paintings?

However, the answer is unlikely to be easily obtained.

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これぞ暁斎！（Bunkamura ザ･ミュージアム） This is Kyosai! (Bunkamura, The museum)

イギリス在住のイスラエル・ゴールドマン氏所蔵の作品による河鍋暁斎展。

暁斎の代表的なテーマがほぼ揃っていて、その多彩なコレクションに驚かされた。

鴉、カエル、猫、猿、虎、ネズミなどといった動物画。

鍾馗、一休と地獄太夫などの人物画。

達磨や観音様などの仏画。

百鬼夜行や閻魔様の登場する地獄絵。

そして、春画まで。

その多くは、2013年に購入した福富太郎コレクションだった作品だという。

ああ、河鍋暁斎のこれだけの作品が、海外に流出してしまったか。

まあ、こうしてまとめて目にすることができたのは、グッドニュースではあったが。

Kawabe Kyosai exhibition by works of the Israel Goldman living in the UK.

Kyosai's representative theme was nearly complete, and I was amazed at its diverse collections.

Animal paintings such as crows, frogs, cats, monkeys, tigers, and rats.

People paintings such as Jong-il, a holiday and Hell Taiji.

Buddhist drawings such as Duma and Kannon.

Hell picture in which Hyakka and Enma appear.

And until spring drawing.

Many of them are said to have been the Fukutomi Taro collection purchased in 2013.

Oh, how much of this work by Kawabe Kyosai has flowed out overseas?

Well, it was good news that I could see in this way all together.

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江戸と北京（江戸東京博物館） Edo and Beijing (Edo-Tokyo Museum)

18世紀の江戸は、人口が100万人を超え、当時の世界で最も人口の多く都市の一つだった。

清王朝の都、北京も、それに負けず劣らず、大きな繁栄を遂げた都市だった。

乾隆帝80歳の式典を祝う北京の様子が描かれた「乾隆八旬万寿慶典図巻」、そして康熙帝の祖父、康熙帝60歳の式典の様子を描いた「万寿盛典」。

この2つの絵巻は、実に長大で、北京の通りに並ぶ商店や、そこに集う人々が細かく描きこまれている。

一方の熈代勝覧は、1805年に描かれた日本の絵巻で、日本橋の様子がこちらも細かい筆先で丹念に描かれている。

それぞれの絵には、店先の看板や、商人が荷を運ぶ際に使った箱などが描かれているが、会場には、それらとほぼ同じものが展示されていた。

絵巻を描いた絵師たちは、実物を見てきちんと描いていたことがよくわかる。

中国の京劇は、清王朝の時代にその元になる演劇様式が生まれた。

日本でも、歌舞伎は江戸時代に誕生している。

北京も東京も、現在では世界を代表する大都市で、多くの人々が都市生活を満喫しているが、その源流は、18世紀の江戸と北京にあったことが、この展覧会でよくわかった。

Edo in the 18th century exceeded one million people and was one of the most populous cities in the world at the time.

The capital of the Qing Dynasty, Beijing was also a city of great prosperity as well as it.

"Qianyuan Jinglong Eight Years Shinku Keifu Shimbun" that describes Beijing's appearance celebrating the ceremony of Qianlong Emperor Xiang's 80-year-old ceremony, and Kangxi's grandfather, Kangxi 60 years old ceremony.

These two picture scrolls are truly immense, with shops lined up in Beijing's streets and people gathered there in detail.

On the other hand, Takayo Kishiro is a Japanese picture in 1805, the state of Nihonbashi is drawn carefully with a fine brush tip.

In each picture, there are signboards of the shops and boxes used by the merchants to carry the loads, but almost the same things were displayed at the venue.

It is easy to see that the painters who painted the picture scrolls were drawn properly looking at the real thing.

The Chinese Peking Opera was born in the era of Qing Dynasty the original style of theater.

In Japan, Kabuki is born in the Edo period.

Beijing and Tokyo are currently the biggest cities in the world and many people are enjoying urban life, but the fact that the origin was in Edo and the Beijing of the 18th century is well understood in this exhibition It was.

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