松花堂昭乗 書画のたのしみ（松花堂美術館） Enjoyed paiting & writing (Shokado Shojyo Museum)

本阿弥光悦、近衛信尹と並んで、江戸時代初期の寛政の三筆の一人、松花堂昭乗の展覧会。

松花堂昭乗は、石清水八幡宮の阿闍梨位の密教僧であり、その麓にあるのが、この八幡市立松花堂美術館。

松花堂昭乗の書画を、一度まとめて目にしたいと思っていたので、この所縁の美術館での特別展で見ることができて、とても良かった。

Along with Honnami Koetsu and Konoe Nobunagu, an exhibition by Shokado Shojyo, one of the three brushworks of Kansei in the early Edo period.

Shokado Shojyo is a Buddhism monk at the Shishimizu Hachimangu Shrine, at the foot of which is this Yawata municipal shogatsudo museum.

Since I thought that I would like to see Shokado Shojyo's writings as a whole at once, I was able to see it at a special exhibition at this neighboring museum and it was very good.

近衛信尹の書はそれほど目にしているので何とも言えないが、大胆でダイナミック、時にやりすぎにも見える本阿弥光悦の書に比べると、松花堂昭乗の書は、僧侶であるということもあるのか、より洗練されて落ち着きのある書に見える。

それでも、楽志論並詩歌巻、湖上新正詩巻、などを見ると、戦乱の戦国時代を抜けて、平和が訪れたことを象徴する、華麗な書であることは間違いない。

書だけでなく、布袋、寒山拾得、一休宗純などを描いた、書画も展示されていて、松花堂昭乗の多才ぶりも垣間見えた。

本阿弥光悦のような、派手さはないが、松花堂昭乗の書画は、肩肘を張らずにその作品を楽しめる、そんな雰囲気が漂っているようだ。

As far as the book of Konoe Nobunaga is watching so much, compared with the book of Honami Koetsu who can be said to be bold, dynamic, occasionally too much, the book of Shokado Shojyo is sometimes a monk Or, it looks more calm and sophisticated.

Nonetheless, looking at Wakoshi theory and poetry volume, Hikami Shinko scribble, etc., there is no doubt that it is a brilliant book that symbolizes that peace has come through through the age of warring the war.

In addition to the book, paintings depicting cloth bags, picking up the mountains, Ichinso-jun, etc. were also displayed, and a glimpse of the multitude of Shokado Shojyo was also available.

There is no flashy like this Honami Koetsu, but Shokado Shojyo's books seem to be enjoying that work, enjoying the work without stretching his shoulders.

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柳沢淇園（大和文華館） Yanagisawa Kien (The Museum Yamato Bunkakan)

50年振りの開催だという、柳沢淇園の特別展。

柳沢淇園は、徳川家第5代将軍の徳川綱吉の側近だった柳沢吉保の家老の家に生まれ、政治家としての一生を過ごしながら、絵画や書にも優れた才能を発揮した。

江戸時代の文人画の祖としても知られ、池大雅や木村蒹葭堂に絵を教えたという。

政務の合間に絵を描いていたせいか、残されている絵はそれほど多くはない。

その絵は、長崎から持ち込まれた明清の黄檗派の美術に影響を受け、鮮やかな色を使って、細かい筆使いで描かれている。

文人画というと、素朴なタッチの水墨画を思い浮かべるが、意外にも、その祖と言われる柳沢淇園の絵は、そうしたイメージとは異なっている。

関羽像や布袋像、子供が寝ている姿を愛くるしく描いた眠童子図、墨竹図などが展示されていた。

他にも、柳沢淇園と並んで、江戸時代の文人文化を作り上げた、祇園南海や彭城百川、若冲にも影響を与えたという鶴亭、そして池大雅や木村蒹葭堂などの作品も展示されていて、当時の時代の雰囲気が濃厚に感じられた、印象の深い展覧会だった。

A special exhibition by Yanagisawa Kien that it is held first in 50 years.

Yanagisawa Kien was born in the old house of Yanagisawa Yoshiho who was an aide of Tokugawa Tsunayoshi of the 5th generation general of the Tokugawa family and spent his entire life as a politician while demonstrating outstanding talent for paintings and writings.

Known as the founder of Bunjin painting in the Edo period, he taught pictures to Ikeno Taiga and Kimura Kenkado.

Because he draw a picture between political affairs, there are not so many paintings remaining.

The painting was influenced by the art of Hwangyeong school brought in from Nagasaki, painted with fine brush using vivid colors.

When I say literary painting, I imagine a rustic touch ink painting, but unexpectedly the picture of Yanagisawa Kien, which is said to be its father, is different from such a picture.

The statue of Kanu and cloth bags, sleeping child figure drawing lovingly depicting children 's sleeping, graphic ink of bamboos, etc were displayed.

Besides Yanagisawa Kien, works such as Gion Nankai, Sakaki Hyakusen, Kakutei that influenced Jakuchu, and Ikeno Taiga and Kimura Kenkado, who made up the literary culture of the Edo period, are also on display It was an impressive exhibition that felt the atmosphere of the times of the time was rich.

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末法（細見美術館） Apocalypse (Hosomi Museum)

架空の美術コレクターを設定し、ユニークな企画で話題となった、細見美術館での末法という名前の展覧会。

企画の内容はさておき、展示されていた作品は、奈良時代から鎌倉時代までの仏像、仏画、経典などの仏教関係の作品が多く、見ごたえがあった。

中でも、室町時代か桃山時代に描かれた、印地打図屏風の印象が、とにかく強烈で、しばらくこの屏風の前から立ち去ることができなった。

子供が2つのグループに分かれて、石を投げ合う印地。

幼い徳川家康が、織田信長にこの印地の勝利チームを予想したというエピソードで知られるが、戦前の頃までは行われていて、時に死者も出ることから、あまりに危険なため、禁止された。

この印地を描いた屏風は、非常に珍しいという。

他の作品では、奈良時代の紫地金字華厳経断簡が、素晴らしかった。

経文を描いている金字が実に鮮やかに残っていて、奈良時代に作られたということが信じられないくらいだった。

An exhibition named Apocalypse at Hosomi Art Museum, which set up an imaginary art collector and became a topic in a unique project.

Aside from the content of the project, the works that were being exhibited were a lot of Buddhist religious works such as Buddha statues, Buddhist paintings, scriptures from the Nara period to the Kamakura period, and it was impressive.

Among them, the impression of the impression striking screenshot drawn in the Muromachi period or the Momoyama period has been intense anyway, and it has become impossible to leave from this screen for a while.

A landmark where children divide into two groups and throw stones.

Young Tokugawa Ieyasu is known for the episode that expected the winning team of this land and told to Oda Nobunaga, but since it is done until the time of the war and sometimes the dead also comes out, it is too dangerous and forbidden.

The folding screens depicting this stamp are very unusual.

In other works, Fragment of Kegonkyo was wonderful.

It was unbelievable that the drawn kanji was very vivid and it was made in the Nara period.

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本居宣長展（三重県立美術館） Motoori Norinaga (Mie Prefectural Art Museum)

三重県立美術館での本居宣長展。

本居宣長といえば、博物館や文学館で展覧会が行われるのは、ごく普通だが、美術館での企画は珍しい。

そのせいか、本居宣長の自画像をはじめとした肖像画が多数展示されていた。

本居宣長は、多くの和歌を作っているが、和歌としての評価は低い。

絵もそうで、自画像は、それなりに自らの肖像を描いてはいるが、決して飛び抜けて上手というわけではない。

本人は、おそらくそうした評価も知りながら、それでも構わず、絵も和歌も作り続けた。

本居宣長は、実は多くの地図も描いている。

京都を訪れる際に、様々な書物から想像して京都の地図を描いたり、全く架空の地の地図を描いたりしている。

この2つの事項は、本居宣長という人物を考えるにあたって、とても重要な要素なのではないか、と思われた。

The exhibition of Motoori Norinaga at the Mie Prefectural Art Museum.

Speaking of Motoori Norinaga  it is quite common for exhibitions to be held at museums and literary museums, but planning at museums is rare.

Because of that, a lot of portraits including self portrait were exhibited.

Norinaga is making many waka, but the evaluation as a waka is low.

As with paintings, self-portraits are drawing their own portraits as it is, but they are never skillfully skillful.

He himself probably knew such evaluation, but he did not mind, he continued to make paintings and waka.

Actually, Norinaga draws many maps.

When visiting Kyoto, he imagined from various books, draw a map of Kyoto, and draw a map of a fictional site at all.

These two items seemed to be a very important factor in considering the person named President Tsuneo.

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国宝（京都国立博物館） National Tresures (Kyoto National Museum)

京都国立博物館の開館120年を記念する特別展。

200点余りの国宝を、4期に分けて展示した、この年話題の展覧会の一つ。

私が行ったのは、第3期であった。

美しい色あざやかできらびやかな装飾が特徴の平家納経。

自らの家の永遠の繁栄を願って、多くの財を投じて造らせた、空前絶後の経典だが、平家はこの後、源氏によって滅ぼされてしまった。

徽宗や馬遠が描いたと言われる多くの水墨画も、日本の国宝とされている。

日本の現在の文化が形造られたと考えられている室町時代に、当時の絵師たちはそうした中国の水墨画を絵画の理想と仰ぎ見て、自らの腕を磨き上げて行った。

時の権力者、藤原道長の日記、御堂関白記。

世界的に見ても、これほど古い時代の政治家の日記が残っているのは、珍しい。

書かれているほとんどのことは、日常の雑事であり、事件が中心の歴史の本に書かれている内容とは、かなり趣が違っている。

いつの時代も、人々は、自らの日常を生きてきた、ということなのだろう。

A special exhibition commemorating the 120th anniversary of the opening of the Kyoto National Museum.

One of the exhibitions of this year's topic exhibited 200 items of National Treas in 4 periods.

I went to the third stage.

Beautiful color Heike Nokyo characterized by vivid and glittering decoration.

As a wish for the eternal prosperity of their own house, they have thrown away a lot of goods to make it, an unprecedented scripture, but Heike was destroyed by Genji after this.

Many ink paintings, which are said to have been drawn by Huijong and Mr. Ma, are also considered as National Treasures of Japan.

In the Muromachi era where the current culture of Japan was thought to have been formed, the painters at the time polished their skills by looking at the Chinese ink painting that they did like painting ideals.

A man of power, Fujiwara Michinaga's diary, Mido Kanpaku Ki.

Even in the world, it is rare that the diaries of politicians of such age are left.

Most of the things written are everyday miscellaneous things, which are quite different from what the incident is written in the book of central history.

People have always lived their own everyday life.

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鈴木春信展（千葉市美術館） Harunobu Suzuki (Chiba City Museum of Art)

浮世絵にゆかりの深い、千葉市美術館で開催された鈴木春信展。

日本美術の豊富なコレクションで知られるボストン美術館。鈴木春信のコレクションも多彩で素晴らしい。

鈴木春信の色あざやかな錦絵の他にも、珍しい白黒の絵本なども展示されていた。

鈴木春信の絵の魅力は、何と言っても、人物の表情や仕草にある。

その絵に描かれている人物は、表情がなんとも素っ気なく、感情がないどころか、むしろ性格が悪そうに見えてしまう。

女性も男性も、手の仕草がなよなよとしており、皆、女性に見えてします。

鈴木春信は、わずか45歳ほどで亡くなってしまったと言われているため、その活動期間は20年ほどだったのだろう。

18世紀後半の江戸時代の雰囲気が、春信の絵からは、濃厚に伝わってくる。

Suzuki Harunobu Exhibition held at the Chiba City Art Museum deeply related to Ukiyo-e.

Boston Museum of Art, known for its rich collection of Japanese art. Suzuki Harunobu 's collection is also varied and wonderful.

Suzuki Harunobu's color In addition to the vivid nishikie, a rare black-and-white picture book was also displayed.

Suzuki Harunobu's picture's charm is, in any way, in the expression and gesture of a person.

The person drawn on that picture is incredibly expressive, not feeling empty, but rather the character seems to be bad.

Both women and men are doing their hands gently and everyone sees it as a lady.

Because it is said that Suzuki Harunobu died in about 45 years old, the activity period was about 20 years.

The atmosphere of the Edo period in the latter half of the 18th century comes from thick picture of Harunobu.

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狩野元信展（サントリー美術館） Kano Motonobu (Suntory Museum)

狩野派といえば、真っ先に狩野永徳や狩野探幽の名前が思い浮かぶ。

しかし、狩野永徳の祖父にあたる狩野元信は、父の正信の後を継いで、狩野派を一大絵師集団に築き上げた、狩野派にとっては、真の祖といえる人物だった。

足利義政の元で活躍していた狩野正信は15世紀を生きた人物で、その子の元信は、15世紀の後半から16世紀の前半を生きた。

そのせいか、元信の作品は、それほど今日までは伝わっていないという。

それでもこの展覧会では、花鳥風月を描いた屏風絵や掛け軸、大和絵、仏画など、狩野元信の筆のなると伝わる作品が、前期と後期に分けて展示された。

父の正信は、足利義政が好んだ唐風の水墨画を得意としていたが、元信はその範囲を大和絵や仏画に広げ、絵といえば狩野派、という圧倒的なブランドを確立した。

元信は、いわゆる工房を経営する経営者でもあった。

元信の作、と言っても、絵のパーツパーツは、弟子の絵師たちが、それぞれ得意な部分を仕上げていったのだろう。

会場には、元信の作品だけでなく、馬遠、夏珪、牧谿などの中国のレジェンドたちや雪舟など、元信が参考にしたと思われる名作も多数展示されていて、こちらも見応えがあった。

Speaking of the Kano school, the names of Kano Eitoku and Tanyu surveillance come to mind first.

However, Kano Masanobu, who is the grandfather of Eikuno Kano, was a person who could be considered a true father for the Kano school, who built the Kano school as one of the big painter groups, following his father's guard.

Masanobu Kano who was active in the former Ashikaga Yoshimasa was a man who lived in the 15th century and his son Lin lived in the first half of the 16th century from the latter half of the 15th century.

Because of that, Masanobu's work is said to have not been transmitted so much until today.

Nevertheless, in this exhibition, the work which is said to be a brush of Motonobu Kano such as folding screens depicting flower birds moon, hanging scrolls, Yamato paintings, Buddhist paintings, etc. was displayed separately in the first half and the second half.

His father's sincerity was good at the ink paintings of China preferred by Ashikaga Yoshimasa, but Masanobu spread it to Yamato and Buddhist drawings and established the overwhelming brand of Kano school as a painting.

Masanobu was also a manager who runs a so-called workshop.

Even if it is original work, the parts parts of painting, the disciples' painters, probably finished their respective good parts.

Many masterpieces believed to be referred to by Masayoshi such as Chinese legend and Sesshu were displayed in the venue as well, and this was also spectacular.

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ブリューゲル「バベルの塔」展（東京都美術館） Babel (Tokyo Metropolitan Art Museum)

オランダのボイマンス美術館が収蔵する、15、16世紀のネーデルランド地方の作品を展示した展覧会。

ヒエロニムス・ボスの2つの油彩画と、ピーター・ブリューゲル1世のバベルの塔が目玉になっていた。

バベルの塔は、もう一つの作品がウィーンの美術史美術館にもあるが、今回展示された作品は、ウィーンの作品よりも小さい。

しかし、その小さいキャンバスの中に、驚異的な技術で、バベルの塔に中にいる人々や回りの風景が、克明に描かれている。

ブリューゲルは16世紀にその生涯を過ごしたが、ボスはちょうどその1世代前に生きた。

ブリューゲルのグロテスクな不思議な版画も多数展示されていたが、ボスの影響を多分に受けていたようだ。

ボスの絵には、一見すると、どうしてこんなものを描いたのか分かりかねるものが描かれている。

当時の人々には、そうしたイメージが何を意味するのかは、すぐに分かったのかもしれない。

現代では、美術研究家の面々が、多くの時間を費やして研究し、解釈を市場に提供している。

ボスの油彩画は、20点ほどしか残されていないが、これからも私たちをその迷宮に迷わせ続けるだろう。

それ以外にも、メムリンク、パティニールといった、ボスやブリューゲルほどメジャーではないが、後世に大きな影響を与えた画家の作品も、少数ながら見ることができた。

An exhibition of works of the Nederland region of the 15th and 16th century, which is held by the Boijmans Art Museum in the Netherlands.

Two oil paintings of Hieronymus Boss and the Tower of Babel of Peter Bruegel I were the main features.

Another tower of Babel is also in the Museum of Art History of Vienna, but the work exhibited this time is smaller than the work of Vienna.

However, among the small canvas, people with amazing skills in the Tower of Babel and surrounding landscapes are portrayed in a clear picture.

Bruegel spent his life in the 16th century, but the boss lived just before that generation one.

A lot of Brutgel's grotesque mysterious prints were also exhibited, but it seems that they had received the influence of the boss probably.

At first glance, the boss' s picture depicts what is unknown as to why he painted such things.

To those people at the time, it may be immediately apparent what that image meant.

In modern times, the artists and researchers spend a lot of time researching and providing interpretation to the market.

There are only about 20 boss oil paintings left, but we will continue to keep us confused in that labyrinth.

Besides that, although it was not as major as Boss and Bruegel, such as memulink, patinir, but also works of painters who had a great influence on future generations could be seen with a few.

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萬鐵五郎展（神奈川県立近代美術館 葉山） Yorozu Tetsugoro (The Museum of Modern Art, Hayama)

萬鐵五郎というと、真っ先に、竹橋の東京国立近代美術館の裸体美人という作品が思い浮かぶ。

緑の草原の上に、芳醇な裸体を見せつけるかのように、女性が、今風に言えば、ドヤ顔でこちらを見つめている。

この絵からは、萬鐵五郎という人物が、実に大胆で豪放な性格の画家であることを、想像させる。

この展覧会では、そうしたイメージ通りの萬鐵五郎と、またイメージとは違った萬鐵五郎を知ることができた。

When it comes to Yorozu Tetsugoro, the work named naked beauty at Takebashi at the National Museum of Modern Art Tokyo comes to mind first.

As if women show a rich naked body on the green grassy field, women are staring at here with the face of the doya.

From this painting, let us imagine that the person named Yorozu is an artist with a bold and expansive character.

At this exhibition, I was able to know Yorozu Tetsugoro as it was, as well as which is different from the image.

雲のある自画像という作品には、そうした萬鐵五郎のもう一つの側面が現れている。

萬鐵五郎は、肺結核に冒されて、また心の病にも脅かされていた。

その頃に、熱心の取り組んでいたという南画研究の成果として、何点かの南画風の作品も展示されていた。

裸体美人を描いたのと同じ人物が、描いたとはとても思えないような、静かな自然の風景が広がっている。

わずか40年余りの生涯の中で、画家として本格的に活躍していた時期は、わずか20年あまりだっという。

会場に展示されていた多彩で数多くの作品を見てきた後では、その期間の短さを、にわかに信ずる事は、どうしてもできなかった。

Another aspect of Yorozu such a work appears in a work called self-portrait with clouds.

Yorozu was affected by pulmonary tuberculosis and was also threatened by mental illness.

At that time, as a result of the study of Chinese paintings that he was engaged in enthusiasm, some works of the painting were also exhibited.

A quiet natural scenery spreads like a person who drew a nudity beauty, but it does not seem to have drawn it.

In the life of just over 40 years, the period when he was seriously active as a painter is said to be only 20 years.

After seeing many diverse and numerous works exhibited in the venue, I could not believe in anything, in short, how short the period was.

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運慶（東京国立博物館） Unkei (Tokyo National Museum)

今年は、運慶・快慶という鎌倉時代を代表する2人の仏師の特別展が開催された。

春に奈良国立博物館での快慶展に続いて、秋には東京国立博物館で運慶展が行われた。

運慶の今日に伝わっている作品のほとんどが集結するとあって、多くの人が訪れていた。

運慶展という名前になっているが、その父の康慶、運慶の息子たちの作品も展示されていて、運慶一族展、という名前の方が、展覧会の内容をよく表している。

康慶による法相六祖像は、その名の通り六人の高僧の像だが、一人一人の表情が実に豊かで、運慶の作品に勝るとも劣らない、凄い仏像だ。

そして、この展覧会の目玉とも言える、運慶の手になる、興福寺の四天王像と無著・世親像。

広い会場に、この6つの立像が、巨木のように並べられていて、まさに運慶の森、といった雰囲気に圧倒された。

運慶の息子の一人、康弁による龍燈鬼立像は、小鬼が頭の上に燈篭を載せていて、上目遣いにそのバランスをユニークな表情で見つめている。

康慶と運慶の緊張感に満ち溢れた会場の雰囲気を、一気に和らげる微笑ましい、しかし素晴らしい彫刻作品で、当時の時代の雰囲気のようなものが感じられた。

This year, a special exhibition of two Buddhist representatives representing the Kamakura period called Unkei & Kaikei were held.

Following Kaikei exhibition at the Nara National Museum in spring, Unkei exhibition was held at Tokyo National Museum in autumn.

As most of the work being transmitted to today's bell tokens gathered, many people were visiting.

It is named Unkei exhibition, but works by his father, Koukei, the sons of Unike, are also on display, and the name of the birthplace of the birthplace of the birthplace well represents the content of the exhibition.

6 buddha masters by Koukei, as its name suggests, is the statue of the six senior high priests, but each one's expression is quite rich, and it is awesome Buddha statue that is not as bad as the work of Unike.

And it can also be said that this exhibition is the main feature of the exhibition, the statutes of Shitennnou at Kofukuji, which is the hand of Unkei, and the unknown / heralding figure.

In the large venue, these six figures were lined up like big trees, and it was just overwhelmed by the atmosphere of the forest of Unkei.

One of the sons of Uniqing, the dragon daemon standing statue by Kouben is a small demon carrying a lantern on his head, looking at the balance with a unique look on the eyes.

It was a smart, but wonderful sculpture work that softens the atmosphere of the venue full of tensions between Koukei and Unkei, feels like an atmosphere of the era of the time.

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快慶（奈良国立博物館） Kaikei (Nara National Museum)

今年は、運慶・快慶という鎌倉時代を代表する2人の仏師の特別展が開催された。

まずは、春に奈良国立博物館で開催された快慶展から。

運慶とともに、奈良仏師の康慶の弟子として、奈良の東大寺の再建などに腕を振るった快慶だが、康慶の子供だった運慶とは違い、快慶の待遇はあまりよくはなかっただろう。

しかし、特に後白河法皇からの指名が多く、当時の権力者との血縁などの、何らかの関係があったのかもしれない。

ダイナミックな運慶に比べると、静かで端正な阿弥陀像で知られる快慶だが、この展覧会では、四天王像や、不動明王などの仏像も展示されていた。

This year, a special exhibition of two Buddhist representatives representing the Kamakura period called Unkei and Kaikei was held.

First of all, from Kaikei exhibition held in Nara National Museum in spring.

It was a pleasure to rebuild Todaiji in Nara, as a disciple of Nara Buddhist teacher, along with Unkei, but unlike Shinki who was a child of Koukei, treatment of Kaikei would not have been very good.

However, there were many nominations from Pope GoShirakawa in particular, and there may have been some kind of relationship such as relatives with the powerful person at the time.

Compared to dynamic Kaikei, it is a quiet, neatly known Amitabha statue, but at this exhibition there were also images of the four temples and statues of Buddha such as Fudo Myohou.

確かに、運慶のデフォルメされた四天王像などと比べると、そこまではいかないものの、むしろ抑制された威厳を感じた。

快慶は、自らが熱心な浄土教の信者だったようで、その手になる阿弥陀像は、自らの信仰の強さが、静かな表情の中に現れているようだ。

最後の作品も、阿弥陀仏像だったとのこと。

快慶は、これだけの優れた阿弥陀仏像を残したので、よもや、浄土の地にたどり着かなかった、ということはあるまい。

Certainly, compared with the deed 4 statues of Sitennnou, etc., I felt restrained dignity, although not so far.

Kaikei seems to have been an enthusiastic Jodoistic believer himself, and the statue of Amitabha which it is in hand seems that the strength of his own faith appears in a quiet expression.

The last work also said that it was Amida Buddha statue.

Since Kaikei left this excellent Amida Buddha statue, it probably will not have reached the land of the Pure Land by any means.

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ゴッホ展 巡りゆく日本の夢（東京都美術館） Van Gogh & Japan (Tokyo Metropolitan Museum of Art)

ゴッホと日本の関係に焦点を当てた展覧会。

これまでも、ゴッホが日本に憧れを抱いていたことは知っていたが、その憧れの深さがこれほどまでとは、少なからず驚かされた。

ゴッホが抱いていた日本のイメージは、おそらく実際の日本の姿とは違っていたのだろう。

それは、あくまでも、ゴッホが抱いた、夢の世界、理想の世界であったのかもしれない。

しかし、その憧れから、あの数々の名画が生み出されて行ったのだ。

ゴッホがパリに出て、印象派と日本の浮世絵に触れたのは、33歳の時だった。

そして、オーヴェールの地で命を落としたのは、それから4年後の37歳の時。

わずかその4年の間で、ゴッホのほとんどの代表作は、生み出されたのだ。

この4年間、1886年から1890年までの4年間は、ヨーロッパの絵画史の中でも、奇跡の4年間と行っても、それほど大げさではないだろう。

An exhibition focusing on the relationship between Van Gogh and Japan.

I knew that Van Gogh had long admired in Japan, but I was astonished a little more than the depth of that longing.

Perhaps the image of Japan that Van Gogh was holding was probably different from the actual Japan.

It may be the dream world, the ideal world that Van Gogh held to the last.

However, because of that admiration, that many masterpieces were created and went.

It was at the age of 33 that Van Gogh went to Paris and touched the Impressionists and Japanese Ukiyo-e prints.

And when I was 37 years old, he lost my life in the land of Auvert since then.

In only four years, most of the work of Van Gogh was created.

For the last four years, the four years from 1886 to 1890, it is not that much exaggeration, even in the history of European painting history and the miracle four years.

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北斎とジャポニズム（国立西洋美術館） Hokusai and Japonisme (The National museum of western museum, Tokyo)

北斎を中心に、いわゆるジャポニズムが西洋美術に与えた影響を、豊富な作品から明らかにしていく、という趣旨の展覧会。

北斎自身も、長崎経由で江戸時代の日本に輸入された西洋絵画をはじめとした、西洋の文化の影響を受けていた。

そうした、西洋の要素を含んでいたからこそ、北斎の作品が、今度は反対に西洋に逆輸入されて、当時の画家や工芸家たちに影響を与えたのだろう。

無論、北斎の発想の豊かさ、絵師としてのセンス、絵画技術の高さがその背景にあったのは、いうまでもないが。

モネやドガ、ゴーギャンなどの印象派を中心とした画家たちや、エミール・ガレなどの工芸職人たちなどのフランスへの影響は、これまでもよく知っていた。

この展覧会では、ウィーンのグスタフ・クリムト、フィンランドのガッレン＝カッカラなど、フランス以外への広範な影響も紹介されていて、興味深かった。

また、絵のテーマという点では、北斎の描いた芸者たちは、ドガの描いた踊り子たちに、北斎の描いた富士山が、セザンヌのサント＝ヴィクトワール山に影響を与えたことが、実際の両者の作品を並べて見ると、一目瞭然で、面白かった。

An exhibition with the aim of revealing the influence that so-called Japonism had on Western art, mainly in Hokusai, from its abundant works.

Hokusai himself was also influenced by the Western culture, including Western paintings imported to Japan in Edo era through Nagasaki.

As it contained such Western elements, the work of Hokusai, on the other hand, was reversely imported back to the West, which may have influenced the artists and craftsmen of the time.

Needless to say, the richness of Hokusai's thought, the sense as an artist, and the high level of painting skills were in the background.

I knew the influence on France such as the painters mainly on Impressionists such as Monet, Degas and Gauguin and the craftsmen including Emile Galle etc.

At this exhibition, the extensive influence other than France was introduced, including Gustav Klimt of Vienna and Garen-Kakkara of Finland, and it was interesting.

Also, in terms of the subject of painting, the geishas drawn by Hokusai showed that Mt. Fuji depicted by Hokusai influenced the dancers painted by Degas on Mount Sainte-Victoire in Cezanne, It is obvious and interesting when I looked at the pieces of works side by side.

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大エルミタージュ美術館展 Old masters from the State Hermitage Museum (Mori Arts Center Gallery)

エルミタージュ美術館展は、これまで何度も開始されている。

そのたびに、何かしらのテーマを持っているが、今回は、オールドマスター、と題して、16世紀から18世紀にかけての、ヨーロッパ絵画の黄金期の作品が展示された。

ティツィアーノ、ティエポロ、ハルス、ステーン、ブリューゲル、ルーベンス、ヨルダーンス、ヴァン・ダイク、ムリーリョ、プッサン、ヴァトー、ランクレ、シャルダン、プーシェ、クラーナハ、ゲインズバラなどなど。

錚々たる名前が並び、ヨーロッパ絵画の流れを概観することができた。

The Hermitage Museum exhibition has been started many times so far.

Every time it has some theme, this time, the work of golden period of European painting was exhibited from the 16 th century to the 18 th century entitled Old Master.

Tiziano, Tiepolo, Hals, Steen, Bruegel, Rubens, Jordens, Van Dyke, Murillo, Poussin, Watteau, Lancrec, Chardin, Pouche, Cranach, Gainsborough and so on.

Lots of names were lined up, and I could overview the flow of European paintings.

ただし、作品は、やや小ぶりなものが多く、これといった大きな目玉作品もなく、よく言えばバランスの取れた展示内容だった。

特に印象に残った作品は、イタリア人、カルロ・ドルチの聖チェチリアという作品。

ドルチは17世紀のフィレンツェで活躍した画家。

聖チェチリアは、古代ローマの聖人で、意に沿わない結婚を押し付けられながら、キリスト教徒として神への忠誠を貫き、多くに人々を改宗させた人物。ピアノが得意だったという。

ドルチは、カラヴァッジォ風の光と陰のコントラストを使って、ピアノを弾いている姿を描いているが、とにかくその表情が実に美しい。

However, the work was somewhat small, there was no big eye-catching work like this, in other words it was a balanced exhibition content.

Particularly the work which remained in the impression is the work of Italian, St. Chechnier of Carlo Dolci.

Dolci is an artist active in Florence in the 17th century.

St. Cecilia is an ancient Roman saint who, as a Christian by being a married marriage, passed through loyalty to God and converted many people into Christianity. It is said that the piano was good at it.

Dolci is depicting the appearance of playing the piano using the contrast of the caravaggio style light and shade, but the expression is really beautiful anyhow.

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ダリ版画展（河口湖美術館） oeuvre grave Salvador Dali (Kawaguchi Museum of Art)

昨年、東京、六本木の国立新美術館で開催されて、多くの人が訪れたダリ展。

京都展では、別な会場で、このダリ版画展が開催されていたが、東京展では、近辺では開催されず、その後も、東京近辺では開催の予定はない。

ようやく、河口湖美術館で開催されると聞いて、ついでに旅行を兼ねて、河口湖の辺りにある美術館を訪れた。

受付の人に、東京から訪れたことを告げると、前にも福島からわざわざこの展覧会のためだけに訪れた人もいたとのこと。

ダリというネームバリューはあるが、版画という地味な形式であるので、東京ではなかなか開催しても元が取れないのではないか、とのこと。

Last year, it was held at the National Art Center, Roppongi, Tokyo, Dali exhibition where many people visited.

At the Kyoto Exhibition, this Dali Print Exhibition was held at another venue, but it will not be held in the neighborhood in the Tokyo Exhibition and there is no plan to hold it in the vicinity of Tokyo even after that.

Finally I heard that it will be held at the Kawaguchiko Museum of Art, and I also visited the museum in the vicinity of Lake Kawaguchi, also as a trip.

When I told the receptionist that I came from Tokyo, there were people who came all the way from Fukushima before this exhibition before.

Although there is a name value named Dali, it is a plain form called printmaking, so even if it is held in Tokyo it is hard to get the original thing.

展示されていたのは、ダリの版画およそ200点と、何点かの彫刻作品。版画は1960年代、1970年代のものが中心。

版画の200点のうちの半分は、ダンテの神曲をテーマにした連作で、数的にも内容的にも、この作品が一番見応えがあった。

地獄篇、煉獄篇、天国篇の3つに分かれているが、やはり地獄篇が一番迫力があった。

地獄篇は、ダリ独特の、人体が捻じ曲がったようなグロテスクな絵が多く、地獄の苦しみを表現しているようだ。

逆に、天国篇では、ぼかしを使って、神や天使が中心に描かれている。

煉獄篇は、ちょうどその両者のテーマが混在している。

全体を通して見ると、ダリのこの連作についての構想がよく見て取れる。

What was being exhibited was Dali's printmaking about 200 prints and some sculptures. The prints are centered on the 1960's and 1970's.

Half of 200 prints were a series of themes on the theme of Dante's divine songs, and this work was the most spectacular both numerically and contentally.

Although it is divided into three of Hell, Purgatory, Heaven, again the hell was the most powerful.

Hell story seems to express the suffering of hell, many grotesque pictures such as Dali's distinctive, human body twisted.

Conversely, in heavenly story, God and angel are drawn in the center using blur.

Purgatory, just the theme of both of them are mixed.

Looking through the whole, the idea of this series of Dali can be seen well.

他の作品では、シュルレアリスムの思い出、という12点の連作が印象的だった。

1971年に制作された作品で、シュルレアリスム時代だけでなく、ギリシャ彫刻、ルネサンス絵画、ラ・トゥールの絵画、妻のガラの姿などがコラージュされており、ダリ自身の創作の原点が伺えるような内容になっている。

他にも、トリスタンとイゾルテ、聖書の雅歌などの連作、ピカソやシャガールなど、同時代の画家たちの肖像画、花咲か爺さんなどの日本の昔話などをテーマにした版画もあり、楽しめた。

版画の形式も、木口木版、エングレービング、ドライポイント、リトグラフなどのいろいろか様式があり、ダリがそうした様式をいろいろと試していたことが伺えた。

In other works, the twelve series of memories of surrealism was impressive.

It is a work produced in 1971, not only the surrealism era, but also collages of Greek sculpture, Renaissance painting, La Tour paintings, wife's garra, etc. It seems like the origin of Dali's own creation It is content.

Besides, I enjoyed having prints with themes such as Tristan and Izolte, serial works such as the songs of songs of the Bible, portraits of contemporary painters such as Picasso and Chagall, Japanese ancient stories such as Hanasaka grandfathers etc.

There were various forms of prints such as Kiguchi woodblock print, engraving, dry point, lithograph etc, and it was heard that Dali was trying various kinds of such style.

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歌川国芳 21世紀の絵画力（府中市美術館） Utagawa Kuniyoshi, His pictorial eloquence in 21st century (Fuchu Art Museum)

江戸時代の絵画で定評のある、府中市美術館での国芳展。流石に、他の美術館の国芳展とは、一味違った内容だった。

また国芳か・・・とは思ったが、いざその作品を目の前にすると、思わずその絵の中に引き込まれてしまう。

やはり、この歌川国芳という絵師は、とんでもない絵師だと、改めて感じた。

国芳は、寛政9年（1798年）に生まれ、文久元年（1861年）に亡くなっている。65歳で亡くなった時は、明治維新まで、あとわずか6年だった。

国芳といえば、他の浮世絵の絵師達とは違い、ダイナミックな画風で知られるが、この展覧会によれば、絵のアイデアを、様々なものから得ていたという。

司馬江漢の西洋風の絵を、そっくりそのまま背景に使った絵もあるし、有名な相馬の古内裏の巨大な骸骨は、解体新書に書かれた骨格を参考にしたようだ。

国芳の描いた子犬の絵には、円山応挙や長沢芦雪の子犬の絵にそっくりなものもあり、こちらはいわゆる完コピだ。

その一方で、こちらも国芳の代名詞と言える猫については、これは国芳のオリジナルだろう。

国芳は多数の猫を飼っていたというが、絵に描かれている猫を見ると、その表情や仕草などは、日頃から猫を観察していないと、決して描けないだろう、と思われるものがあちこちに見て取れる。

国芳の絵には、当時の時代の雰囲気がよく表れている。山東京伝や滝沢馬琴の著作を題材にしたものも多いし、当時の世相や為政者達を風刺した作品もある。

国芳という絵師は、いざ筆を取り絵を描くとなれば、絵に関しては自らの創造も含めて、日本や海外の構図やアイデアも大胆に取り入れて、当時の世相を十分に取りいえれた絵を描いた。

自分の生きた時代の全てを描き切った絵師。と歌川国芳のことを呼んでも、それほど間違ってはいないのではないか。

Kuniyoshi exhibition at the Fuchu art museum which is well-established in the paintings of the Edo period. It was a bit different from the Kuniyoshi exhibition of other art museums in the stones.

I also thought of Kuniyoshi ... but when I put that piece in front of me, I was drawn into the picture.

After all, I felt it again that this Utagawa Kuniyoshi was an fantastic painter.

Kuniyoshi was born in Kansei ninth year (1798), and passed away in the first year of Bunkyu (1861). When died at the age of 65, it was only 6 years until the Meiji Restoration.

Speaking of Kuniyoshi, unlike other Ukiyo-e painters, he is known for his dynamic style, but according to this exhibition he seemed to get the idea of ​​painting from various things.

There are some paintings that used the Western-style painting of Shiba Kokan in their entirety as backgrounds, and the huge skeleton of the famous Soma horse seems to have referred to the skeleton written in the dismantled new book.

Some of the puppy painted by Kuniyoshi is similar to a picture of a puppy of Maruyama Okyo or Nagasawa Rosetsu, which is what is called a complete copy.

On the other hand, this is also Kuniyoshi's original for cats that can be said to be synonyms of Kuniyoshi.

Kuniyoshi said that he kept a large number of cats, but when looking at the cat drawn in the picture, its expression and gestures, etc, which seems to be never drawn unless he observes the cat from everyday can be seen here and there.

In the picture of Kuniyoshi, the atmosphere of the era of that time is appearing well. Many are subjects of Santo Kyoden and Takizawa Batako's work, and there are also work that satirized the society at the time and politicians.

As a painter named Kuniyoshi, if he draws a brush and draws a picture, as for painting, including his own creation, a bold incorporation of the composition and ideas of Japan and abroad, the picture which was able to fully understand the society at the time Drawn.

A painter who painted everything in his living era. Even if you call Utagawa Kuniyoshi, is not that wrong so much?

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ミュシャ展（国立新美術館） Alfons Mucha (The National Art Center, Tokyo)

スラヴ叙事詩、20枚の全作品が、初めて国外でまとめて展示されるミュシャ展。

ミュシャとは、フランスでの呼び方で、チェコではムハと呼ばれる。

当然のことながら、スラヴ叙事詩に注目が集まるが、会場にはそれだけではなく、初期の自画像、パリで成功をもたらしたサラ・ベルナールなどのポスター、チェコに帰ってからの天井画や切手のデザインなど。

生涯にわたる作品が展示されて、ムハの全体像を紹介した大回顧展だった。

Slavic epic, Mucha exhibition where all 20 works are displayed for the first time overseas.

Mucha is called in France, in the Czech Republic is called "Muha".

Naturally, attention is focused on Slavic epic, but not only in the venue, posters such as Sarah Bernhard who gave initial success in self-portrait, success in Paris, ceiling paintings and postage stamps since returning to Czech Republic etc. .

A lifelong work was exhibited and it was a great retrospective exhibiting the whole image of Mucha.

開幕直後に訪れたが、大規模なマーケティング活動の結果か、会場には多くの人が訪れていた。

幸いにも、スラヴ叙事詩は巨大な作品なので、上を見上げて鑑賞するといった感じなので、多くの人がいても、あまり気にならずに鑑賞できた。

Slavic epic, 20 pieces of all the works were exhibited together outside the country for the first time and visited shortly after the opening, but a lot of people were visiting the venue as a result of a large marketing activity.

Fortunately, Slavic epic is a huge work, so it looks like looking up and appreciating it, so even if there were many people, I could appreciate it without much worry.

空いたスペースを見つけて、絵に近づくと、絵の下の方に描かれた人々と、向き合うような形になる。

こちらを見つめてくる、その眼力が凄い。圧倒される。

When I find a vacant space and approach the picture, it looks like it faces people drawn towards the bottom of the picture.

I'm staring at here, its power is great. It is overwhelming.

最初の3点では、スラヴ民族の誕生や宗教儀式が描かれている。

空中に神々や聖人が浮かんでいるように描かれている。これは、明らかに、ミケランジェロのシスティーナ礼拝堂を参考にしている。

In the first three points, the birth of the Slavic people and religious ceremonies are drawn.

It is drawn as if gods and saints are floating in the air. This clearly references Michelangelo's Sistine Chapel.

そうした描き方を見ていくと、ムハがこの作品を作るにあたり、いかに周到に準備を重ね、自らの画家としての力の全てを注ぎ込んでいることがわかる。

As I look at such a way of drawing, I understand how Mucha prepared carefully in making this work and pouring all his power as a painter.

それにしても、なぜ、スラヴ叙事詩なのか。チェコ叙事詩ではないのか。

19世紀にヨーロッパを席巻した民族独立の動きの中で、オーストリア・ハンガリー帝国に支配されていた国々では、ロシアを中心とした汎スラブ主義運動が盛んだった。

Anyway, why is it a Slavic epic? Is not it a Czech epic?

In the national independence movement which swept the Europe in the 19th century, the countries controlled by the Austrian-Hungarian empire were thriving in the pan-slavic movement centered on Russia.

しかし、その希望は、20世紀初頭のバルカン同盟の崩壊で、夢物語に終わった。

ムハが青年時代を過ごした頃は、まだ汎スラブ主義が夢を失う前だったのだろう。ムハは、生涯その夢を手放すことができなかった。

ムハがこのスラブ叙事詩を描いた頃は、汎スラブ主義は、その情熱を失っていた。

However, the hope ended in a dream story, with the collapse of the Balkan alliance in the early twentieth century.

When Muha spent his youth, it seemed that pan-slavicism had not yet lost his dream. Muha could not let go of that dream for the rest of his life.

When Muha drew this slab epic, pan - slavism lost its passion.
 

絵画の世界においても、ムハがパリで活躍していたアール・ヌーボーはすでに終わり、シンプルなアール・デコが主流となり、やがてシュールレアリズムが絵画界を席巻するようになる。

テーマにおいても、技法においても、ムハのスラヴ叙事詩は、時代遅れだった。

Early in the world of painting, Mucha has already been active in Paris, Art Nouveau has already ended, simple art deco has become mainstream, and eventually surrealism will dominate the painting world.

Mucha's Slavic epic was outdated, both in the theme and in the technique.

それから、およそ100年。

時代は、ようやくこの絵を、そうした思想や技法を気にせずに、過去の作品としてみることができるようになったのかもしれない。

Then, has passed about 100 years.

In the era, it may be that we finally be able to see this picture as a past work without worrying about such thought or technique.

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シャセリオー展 19世紀フランス・ロマン主義の異才（国立西洋美術館） Theodore Chassériau, Parfum Exotique (The National Museum of Western Art)

シャセリオーのことは、その名前は知っていたが、作品を目にしたことはあまりなかった。

シャセリオーは、フランスの植民地だった、ドミニカ諸島の小さな島で1819年に生まれ、1856年に若くして命を落としている。

そのためか、残されている作品はそのれほど多くはない。

この展覧会では、パリのルーブル美術館などを始め、主にフランス各地から、貴重な作品が集められていた。

Although I knew the name about Chassériau, I did not see the work much.

Chassériau was born in 1819 on a small island in the Dominican islands, a colony of France, and died in youth in 1856.

For that reason, there are not so many works left.

In this exhibition, valuable works were gathered mainly from France, including the Louvre in Paris.

シャセリオーは、アングルの弟子となり、若くしてサロンにも入選を果たして、順調に画家としての道を歩み始めた。

しかし、やがて保守的な師のアングルに飽き足らないようになり、後にロマン派と言われる画風に変化していく。

そうした経歴のせいか、シャセリオーの作品には、古典的な要素とロマン派の要素が混在しているようだ。

この展覧会のポスターに使われている肖像画などには、アングルの影響が見て取れる。

シェークスピア、ギリシャ神話、あるいはアルジェリアなどのロマン派らしい題材を描いた作品は、明らかにロマン派の大家として風格を十分に漂わせている。

Chassériau became an apprentice of the angle, fulfilled selection to the salon young, and started steadily progressing as a painter.

However, as soon as it gets tired of conservative teacher 's Ingre, it will change to a style that is later referred to as Romanticism.

Because of that background, it seems that classical elements and Romantic elements are mixed in Chassériau's work.

Portraits etc used for posters of this exhibition, etc. can see the influence of angle.

Works depicting romantic subjects such as Shakespeare, Greek mythology, or Algeria have clearly given their style as Romantic landlords.

シャセリオーは、37歳という若さで亡くなってしまったが、その後の画家たちに与えた影響は大きかった。

特に、現在のオルセー美術館が建っている場所にあった、会計検査院の壁画は、同時代のギュスターヴ・モローやシャヴァンヌに大きな影響を与えた。

その影響は、モローを通じてルドンにも続いていた。

この展覧会では、ロマン派の絵画とは何か、ということを考えさせられた。

シャセリオーのオセロと、ドラクロワのハムレット。それぞれ版画の連作が並べて展示されていたコーナーは、この展覧会の中でも圧巻の一つだった。

ロマン派の両巨匠が、シェークスピアというロマン派の画家が好んだ題材を巡り、強烈なバトルを演じている。

ロマン派の絵画とは何か。

しかし、その答えは、容易に得られそうもない。

Chassériau died at the young age of 37 years old, but the influence given to the painters after that was great.

Particularly, the mural painting of the Auditorium of the Accounting Office, which was in the place where the present Musée d'Orsay is built, had a great influence on Gustave Moreau and Chavannes of the same era.

The influence continued to Redon through Moreau.

In this exhibition, I was made to think about what Romantic paintings are.

Othello of Chassériau and Hamlet of Delacroix. The corner where each series of prints was displayed side by side was one of the highlight of this exhibition.

Both Romantic masters play a strong battle over the subjects preferred by Shakespeare's Romantic painters.

What is Romantic paintings?

However, the answer is unlikely to be easily obtained.

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これぞ暁斎！（Bunkamura ザ･ミュージアム） This is Kyosai! (Bunkamura, The museum)

イギリス在住のイスラエル・ゴールドマン氏所蔵の作品による河鍋暁斎展。

暁斎の代表的なテーマがほぼ揃っていて、その多彩なコレクションに驚かされた。

鴉、カエル、猫、猿、虎、ネズミなどといった動物画。

鍾馗、一休と地獄太夫などの人物画。

達磨や観音様などの仏画。

百鬼夜行や閻魔様の登場する地獄絵。

そして、春画まで。

その多くは、2013年に購入した福富太郎コレクションだった作品だという。

ああ、河鍋暁斎のこれだけの作品が、海外に流出してしまったか。

まあ、こうしてまとめて目にすることができたのは、グッドニュースではあったが。

Kawabe Kyosai exhibition by works of the Israel Goldman living in the UK.

Kyosai's representative theme was nearly complete, and I was amazed at its diverse collections.

Animal paintings such as crows, frogs, cats, monkeys, tigers, and rats.

People paintings such as Jong-il, a holiday and Hell Taiji.

Buddhist drawings such as Duma and Kannon.

Hell picture in which Hyakka and Enma appear.

And until spring drawing.

Many of them are said to have been the Fukutomi Taro collection purchased in 2013.

Oh, how much of this work by Kawabe Kyosai has flowed out overseas?

Well, it was good news that I could see in this way all together.

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江戸と北京（江戸東京博物館） Edo and Beijing (Edo-Tokyo Museum)

18世紀の江戸は、人口が100万人を超え、当時の世界で最も人口の多く都市の一つだった。

清王朝の都、北京も、それに負けず劣らず、大きな繁栄を遂げた都市だった。

乾隆帝80歳の式典を祝う北京の様子が描かれた「乾隆八旬万寿慶典図巻」、そして康熙帝の祖父、康熙帝60歳の式典の様子を描いた「万寿盛典」。

この2つの絵巻は、実に長大で、北京の通りに並ぶ商店や、そこに集う人々が細かく描きこまれている。

一方の熈代勝覧は、1805年に描かれた日本の絵巻で、日本橋の様子がこちらも細かい筆先で丹念に描かれている。

それぞれの絵には、店先の看板や、商人が荷を運ぶ際に使った箱などが描かれているが、会場には、それらとほぼ同じものが展示されていた。

絵巻を描いた絵師たちは、実物を見てきちんと描いていたことがよくわかる。

中国の京劇は、清王朝の時代にその元になる演劇様式が生まれた。

日本でも、歌舞伎は江戸時代に誕生している。

北京も東京も、現在では世界を代表する大都市で、多くの人々が都市生活を満喫しているが、その源流は、18世紀の江戸と北京にあったことが、この展覧会でよくわかった。

Edo in the 18th century exceeded one million people and was one of the most populous cities in the world at the time.

The capital of the Qing Dynasty, Beijing was also a city of great prosperity as well as it.

"Qianyuan Jinglong Eight Years Shinku Keifu Shimbun" that describes Beijing's appearance celebrating the ceremony of Qianlong Emperor Xiang's 80-year-old ceremony, and Kangxi's grandfather, Kangxi 60 years old ceremony.

These two picture scrolls are truly immense, with shops lined up in Beijing's streets and people gathered there in detail.

On the other hand, Takayo Kishiro is a Japanese picture in 1805, the state of Nihonbashi is drawn carefully with a fine brush tip.

In each picture, there are signboards of the shops and boxes used by the merchants to carry the loads, but almost the same things were displayed at the venue.

It is easy to see that the painters who painted the picture scrolls were drawn properly looking at the real thing.

The Chinese Peking Opera was born in the era of Qing Dynasty the original style of theater.

In Japan, Kabuki is born in the Edo period.

Beijing and Tokyo are currently the biggest cities in the world and many people are enjoying urban life, but the fact that the origin was in Edo and the Beijing of the 18th century is well understood in this exhibition It was.

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新東京百景 90年前の東京（東京都美術館） A hundred views of New Tokyo (Tokyo Metropolitan Art Museum)

1929年（昭和4年）から刊行が始まった、新東京百景という創作版画があった。

東京都美術館の開館90周年を記念して、当時の東京を振り返るという趣旨で行われた展覧会。

当時の東京は、関東大震災からの復興の途上にあった。

その意味で、新東京という名前が付けられている。

恩地孝四郎の作品。二重橋、明治神宮、日比谷公会堂などを描いている。

There was a creative print which was published from 1929 (Showa 4th), that is, 100 New Shinki.

In commemoration of the 90th anniversary of Tokyo Metropolitan Art Museum's exhibition, the exhibition was held with a view to looking back to Tokyo at that time.

Tokyo at the time was in the process of recovery from the Great Kanto Earthquake.

In that sense, it is named Shin Tokyo.

Works by Kenji Onna. It depicts double bridge, Meiji shrine, Hibiya public hall etc.

藤森静雄の作品。ニコライ堂、東大の赤門、東京都美術館の前身である東京府美術館などを描いている。

Works by Fujimori Shizuo. Nikolai temple, Akamon of Tokyo University, Tokyo Metropolitan Art Museum which is the predecessor of the Tokyo Metropolitan Art Museum.

深沢索一の作品。築地、柳橋、芝浦の跳ね橋などを描いている。

Works by Fukazawa Seiichi. Tsukiji, Yanagibashi, Shibaura's drawbridge and others.

現在も同じ風景もあれば、全く変わってしまった風景もある。

版画という形式の特徴が、余計にノスタルジックな感情を刺激しているように見える。

If there are the same scenery now, there are scenery which changed at all.

It seems that the feature of the form of prints stimulates extra nostalgic feelings.

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